让精神爽快的场所 <BR> ——三游安藤忠雄陶板名画之庭 <BR>  <BR> iFANG撰文摄影 <BR>  <BR> 去京都除了那些传统的名胜庭园、旧街小巷之外，能够留在心里的现代建筑，要数安藤忠雄设计的《京都府立陶板名画之庭》。它在京都市北边左京区，北山地铁站出口往右一拐就是。三年我去了三次，至今觉得还未读尽。 <BR>  <BR> ■庭之由来 <BR>  <BR> 古老的京都有着无数大大小小的庭园，引导游客参观的是那些在地图上有标志的地方，然而还有大量私家庭园却鲜为人知。这些庭园大同小异，有着让你心醉的意匠。然而，《板名画之庭》却是万庭之中一座水和绿相融的现代庭园。虽说是庭园，实际上是专门展示陶制世界名画的室外开放型美术馆。 <BR>  <BR> 其实陶板名画之庭的发想，来自1990年，曾在大阪举办的“国际花和绿的博览会”展出过的《名画之庭》。那些陶板画是日本陶工烧制新技术的展现，他既可保持世界名画的造型和色彩，又可以在室外风吹日晒不退色，这是一种胜过以往的陶瓷技术更加耐气候的新技术。博览会之后，为了永久保存这批陶板画，京都府决定建立“陶板名画之庭”，建筑设施委托世界著名建筑家安藤忠雄设计。 <BR>  <BR> ■安置名画之匠心 <BR>  <BR> 庭内安置有五枚大型和三枚小幅陶板世界名画，按照通常赏画之习惯，画与墙壁保持垂直关系是理所当然。然而，安藤忠雄高人一等之处在于，一进门，观众看到的是一幅静躺在水中的《睡莲·朝》。安藤让这幅与原画（200×1275cm）大小一样的印象派大师莫奈的名画，回到莲花本来的故乡水中来，现在我们看到的是具有双重含意的水中睡莲。当水面被微风吹起，光和波的摇动使得莫奈那生动的笔触跃然而起。水中的画，光中的诗，让人浮想再浮想。 <BR>  <BR> 庭中最大的陶板壁画是米盖朗基罗的《最后的审判》（1430×1309cm），在它的对面是台北故宫博物院所藏的《清明上河图》（张择端·60×1962cm），尺寸比原图扩大两倍。两幅对照之后，深感东西方审美意识有天壤之别。米盖朗基罗缅怀远古天地之创造，而张择端则是悠悠地遨游在细细的时空中。 <BR>  <BR> 达·芬奇的《最后的晚餐》（432×886cm）被安置在与其它的作品间隔开的特别空间中，我以为那意在保持原画的宗教气分才是。日本国宝京都高山寺所藏《鸟兽人物戏画》（传·鸟羽僧正·甲卷60×2262cm·乙卷60×2400cm）分成两壁展开，是所有作品中最朴素的近似于漫画的水墨淡彩杰作。快到出口处，透过水泥墙的长方形假窗，可以看见最后两幅小画，既梵高的名作《杉树和星之路》（92×73cm）和雷诺瓦的《在花坛旁》（100×81cm）。 <BR>  <BR> ■流动立体之庭 <BR>  <BR> 安藤忠雄的《名画之庭》，与传统的庭园从根本上有所不同，传统庭园平面构成多，而安藤强调的不是静，倒是动线的重叠，错综立体的视线很深地深入地下。 <BR>  <BR> 由平地入庭，庭分三层构造，顺箭头所示行进，感觉走了很长的路，但最后发现原来游玩在一个很小的空间中，游道的设计吸收了日本传统庭园的手法，不同之处是将其立体化。从平面图上最易看出，全庭在构造上接近一幅立体主义的绘画。安藤将自然的要素抽出来然后又还原，形成截住光，留住水，收住风的钢筋混凝土容器。构成本身的动与陶板画的静形成对比，然而静止的画又与无时不在流动的水和人工瀑布形成对照。钢筋混凝土硬质的墙和交错的框架，与庭中大面积的水同居，各名画之间均用池和瀑布相间。 <BR>  <BR> 漫游中我突然闪出一个念头，为什么要这么大面积的瀑布，和那充满临场感的瀑声？这意匠或许是，让瀑布之水声压倒周围的噪音，因为这座名画庭园位于市中心，安藤的独出心裁是让我们凝神暝想，以提供一个让日常的疲劳得以恢复，相对独立且可以静养的空间。 <BR>  <BR> ■让精神爽快的场所 <BR>  <BR> 安藤忠雄把这个设施描绘成“水和艺术之庭”，他认为“花博”的《名画之庭》是作为人间精神之场探求庭园本质的开始，本来，庭园是让精神爽快的场所，所以不只是植物构成，应该包括光、水和风这些自然要素。然而，安藤忠雄的设计，是花博”《名画之庭》的继续和再生。“花博”的设计原型，是用林立的柱子代替庭之壁，将光、风和水这些自然要素加以抽象化，切取了自然中各种各样的表情。让人在其中漫游，体验自然之丰富。安藤对《名画之庭》有着一段极为精彩的描述，他说，被转写在陶板上的世界名画及其配置，人们可以在洋溢着光和风的气分中鉴赏艺术，那不只是依靠视觉，而是可能将记忆深刻地肉体化的体验。 <BR>  <BR> 我慢慢来到出口，不觉太阳已斜到西边，《陶板名画的庭》周围高高的墙，挡掉了周围骚扰观众视线的杂景，截住了夕阳金色的光，看着墙上映照着自己的投影，好象是和场所共鸣的虚像。 <BR>  <BR> 再见了！安藤忠雄之庭。

cloud 发帖: 6 <BR> 于 2000-08-28 03:02               <BR> -------------------------------------------------------------------------------- <BR>  这建筑我94年左右在 新建筑 上看到过，非常喜欢。 <BR> 由一张照片非常经典。当时我还把他画成了彩铅渲染。当时，我的评语时，方寸之间，山水沟壑景园。但始终没看懂那张平面图，别处也没见到他的详细平面，亲指教。  <BR>  

gahong  <BR> 发帖: 51 <BR>   于 2000-08-28 14:42               <BR> -------------------------------------------------------------------------------- <BR>  一直喜欢安藤，所以关注他的所有作品。安藤的作品中，日本建筑的空、间、寂的韵味可谓到家。 <BR> 到目前为止，生命中的大遗憾之一就是没有机会亲历安藤的建筑。 <BR> 我常想，置身于其中，会感受到什末？一定是“自然”。触摸着自然的材质，感受到雪花的飘舞、光的渗入、声音的引导-----一定是这样。 <BR> “安藤常用自然的概念改变我们感官对空间元素的看法。” <BR> 安藤在设计中，对“双生”、“镜射”这种实实、实虚 得对称有相当大的兴趣。据评论家认为，“这是由于安藤是双胞胎的原由！” <BR>  <BR> “建筑化的自然观”是安藤作为建筑师 与大自然的协议。他于是将自然给框进建筑物中，用虚体的天井；或者，制造良好的建筑夹角，引入光、影-----在“陶板名画之庭中”，借景的手法，更使得“自然”在建筑物中“浮游”。 <BR>  <BR> 但愿，我有机会在参观完“让精神爽快的场所”后，说一声——再见，陶板名画之庭。 <BR>  <BR>  

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也挺喜欢安藤的作品,但是研究很少,也许我们这一代应该好好想一想我们的职责,说到这里想问一句,建筑师的职责是什么????????????????

我是个安藤迷。所以平时或多或少做的设计中带有他的烙印。他的一些想法我也有的。但是我和安藤最大的区别是他能把自己的想法和建筑本身融合在一起。而我，远远没有这个控制力。 <BR>  <BR> 下面的那段话引自中建工出版社的国外著名建筑师丛书《安藤忠雄》p240 <BR> 本展廊的设计延续了安藤在大阪园艺绿化展览会中的美术之庭、水御堂和水的教堂的设计理念，反映了安藤对空间序列和流线组织的强烈偏爱。可以说，这座用地2824平方米，展览面积仅212平方米的展廊中，室外空间序列以一种超然一切的态势驾御了整个建筑。一组闭合的区域设置在地坪标高以下，在此区域内，空间上下翻滚、穿插、流线组织极丰富变化。包含几座桥和坡道在内的三片墙体和环路被安藤布置得恰倒好处，充分展示了现代结构技术支撑下空间表现的最大可能性。同时，在上下三层的每一层中，都利用标高变化，组织了瀑布和水池。结合流线的组织，九幅艺术仿真作品分别嵌装在不同朝向的素混凝土墙壁和水池中，可让人们在行进中以不同视点加以观赏。在这幢建筑中，安藤使人们获得的乃是一种现代的、长卷式的回游式的庭院的空间体验。

提问：

引用:

方先生：庭内安置有五枚大型和三枚小幅陶板世界名画

<BR> 那么意思是共有8幅画。 <BR> 而在我打的那段文字中却提到有9幅画。那是不是因为

引用:

日本国宝京都高山寺所藏《鸟兽人物戏画》（传·鸟羽僧正·甲卷60×2262cm·乙卷60×2400cm）分成两壁展开

的原因呢？ <BR> 平面中也表明有9幅。